2017

Kim Insun (Space: Willing N Dealing)

 

 

Kwon Hyuk

 

 

Kwon Hyuk had mostly created her early works by stitching technique, combining the stitched object onto a painted canvas. Thus, various layers form unique composition. These works are also deemed formative in character, since the encounter of threads create solid structure, an installation work dividing the space. After her early days, Kwon has been constantly interested in the invisible element such as energy(spirit), and minute units which compose the material, as well as natural phenomena, etc. Such interest in cosmic organic vitality triggers Kwon to begin with her questioning the human life. Her exploration into the realm of all kinds of phenomena involves studying the coincidental character of various unexpected ‘situations’ that people encounter, and the absoluteness of all the different principles that are deemed representing the logic of our world. At a glance, this seems to reflect a colossal dimension and abstract viewpoint such as ‘universe’ and ‘law of nature.’ However, the intervention of the artist’s body along with meditative process entailing repetitive actions, are directly linked to a rather practical attitude which is concluded by observation and analysis of the world. Therefore, her works depart from the macro perspective going toward the origin of existence, reflected by micro clues that are discovered during the itinerary. Finally, Kwon strives to arrive with conclusions that are rooted in real life through her works.

 

In the exhibition <Controlled and Uncontrolled> at Space Willing N Dealing, Kwon Hyuk has shown a sort of experimental attitude of formalizing various vague and abstract phenomena. The exhibited works consist of canvas works and installation works. The CHAOSMOS series on the canvas has combined Cosmos and Chaos in the title. On the canvas, abstract images are created both with thread and paint which remind us of the vast and spectacular expanse of the rough sea. The style is not quite different from her attitude found in 2011 through her charcoal drawings depicting the flow of water, Reality is that nothing does not exist, Reality is that one does not disappear. The images shown in repetitive pattern are created by stitches combined with paint on the canvas. The traces made by actions of the artist being conveyed as the painting, and the repetitive process of interweaving the thread on the canvas, create a certain temporality. From this, a growth of a different level of order can be observed. That is, this series is composed of two steps, of which the first step is the coloring process which entails a coincidental effect. The images are created by actions of mixing and dripping paint, resulting in a sort of ‘phenomenon' caused by the artist's corporeal action. The abstract images created by the coincidental effect caused by the traces of such action on the canvas are forms that are beyond the realm of the artist's control. The next step is the stitch using a sewing machine, of which Kwon controls over the direction and shape to create an expanded pattern of thread. 

 

This is similar to her 3-dimensional work BREATH and its method and process. This installation work was a combination of thread, painting, and space. Kwon had cast invisible space by breathing into a balloon, using balloon, thread, glue, transparent medium. This work also required 2 steps for its creation. First, you blow the balloon into a certain size and shape and wind thread on the balloon's surface. During this process, the artist controls the material under a certain rule with regards to how to wind the thread according to the balloon's shape. The second step leaves the artist's hand, the work is completed with the flow of time. While the thread hardens on top of the balloon which gradually shrinks after expanding, minute elements are at play. The thread and medium, the concentration and proportion of glue and water, the speed at which the balloon deflates, the surrounding temperature and humidity; all these environmental factors result in diverse shapes, irregular forms of the balloons. During the whole process, Kwon perceives various phenomena which she had not expected to happen in daily life, and a certain order which lies beneath such phenomena. As the artist implies in the title <Controlled and Uncontrolled>, she assumes the equivocal structure of what can be controlled and what cannot be. However, on a fundamental level, she questions the unintended element of coincidence. Even the most momentary speck of time which looks coincidental is the result of reactions of various environments and principles. Kwon has revealed through her observation and exploration over time, that such result had to be related with inevitable intent and control. Guided through her eyes, the world looks quite like it. It is the moment when art becomes the window to the world.

 

 

 

글. 김인선 (스페이스 윌링앤딜링)

 

 

권혁 작가는 초기 작품에서 주로 스티치 기법으로 대상을

재현하였으며 이를 채색된 캔버스와 결합함으로써 여러 겹의

레이어를 만들어내는 독특한 평면 구성을 획득하고 있다.

또한 실과 실이 만나는 견고한 구조를 지어내면서 공간을 분할

하는 설치 작업으로 그 조형적 성격을 만들어내기도 하였다.

이후 눈에 보이지 않는 어떤 것, 가령 기(氣), 물질을 구성하는

미세한 단위의 요소들, 자연현상 등 작업과정 내내 작가가 꾸준히

관심을 가지고 있는 우주의 유기적 생명력은 인간의 삶에 대한

의문으로부터 출발하는데, 예기치 않은 사건들로 맞닥뜨리게

되는 다양한 ‘상황’들이 가지고 있는 우연성에 대하여, 그리고

세상의 이치를 대변한다고 여겨지는 다양한 법칙들의 절대성에

대하여 의문을 가지고 주변의 여러 현상들을 탐구하고 있다.

이는 언뜻 ‘우주’와 ‘자연의 법칙’ 등 거대하고 추상적인

세계관을 반영하고 있는 듯 보이지만 작가의 몸이 개입되고

반복적 행위가 따르는 수행적 작업 과정과 세상을 향한 관찰 및

분석으로 귀결되는 실천적 태도와 직결되어 있다. 그렇기 때문에

그의 작업 속에는 존재의 근원을 향한 거시적 시선으로부터

출발하여 현실의 삶으로 결론을 찾아가는 미시적 단서들이 반영

되어 있음을 볼 수 있다. 권혁 작가는 스페이스 윌링앤딜링에서

제시한 전시 <Controlled and Uncontrolled> 를 통하여 여러

가지 모호하고 추상적인 현상들을 형식화 하는 일종의 실험적인

태도를 가지고 있다. 전시 작품은 크게 평면과 설치 두 가지로

구성되는데, 이 중 평면 작업인 카오스모스(CHAOSMOS)

시리즈는 우주를 뜻하는 Cosmos와 혼란을 뜻하는 Chao 의

합성어이다. 캔버스 천 위로 페인팅과 실을 함께 사용한 이미지를

보여주는데 추상적인 비정형적 형태이면서도 광활한 바다의 강

렬하고 거친 인상을 내뿜는 스펙타클한 이미지들을 연상시키는

데 2011년도 작인 목탄 드로잉 시리즈 실체가 없는 것은 존재하

지 않는다, 실체가 있는 것은 사라지지 않는다 를 통하여 물을 묘

사하였던 태도와 다르지 않은 흐름을 보여주고 있다. 캔버스 위

페인팅에 겹쳐진 스티치 기법으로 만들어지는 이미지는 반복적인

패턴으로 구사되었는데, 회화로서 전달되는 작가의 행위적

흔적과 실과 캔버스 간 구조적으로 엮어가는 반복적인 과정에서

발생하는 시간성으로부터 또 다른 차원의 질서를 생성해 나가는

것을 볼 수 있다. 즉 이 작업 시리즈는 두 가지 단계로 구성되는

데, 첫 번째 단계는 우연한 효과로 만들어지는 채색 과정이다.

물감을 섞고 흘리는 등의 동작으로 만들어지는 이미지는 작가의

몸의 움직임으로 인한 일종의 ‘현상(phenomenon)으로서

작용한다. 그리고 화면 위로 만들어지는 동작의 흔적으로 인한

우연적 효과에서 발생한 추상적 이미지는 작가의 통제를 벗어난

형태이다. 그 다음 단계로 실과 재봉틀을 이용한 스티치인데,

이는 그 방향과 모양을 작가가 통제하여 만들어가면서 확장되는

패턴으로서 드러난다.

이는 입체로 구현되는 설치 작품 숨 (BREATH) 과 그 방법 및

과정에서 비슷한 양상을 띤다. 이 작업은 실과 페인팅, 그리고

공간과의 조합으로 만들어진 조형 설치 작업이다. 풍선에

숨(호흡)을 불어넣어 눈으로 보이지 않는 공간을 캐스팅하는

작업으로서 풍선과 실, 접착제, 투명 미디엄 등을 사용하는데,

이 역시 평면 작업의 과정과 비슷하게 두 가지 단계를 거치게

된다. 먼저 풍선을 불어서 일정한 크기와 모양을 정하고

그 위로 실을 감는 과정으로서 이 상태에서 풍선의 모양에 맞추는

실을 얽는 과정에서 사용되는 재료들은 일정한 규칙을 가지고

작가의 손에서 통제된다. 그 다음 단계는 작가의 손을 떠난 채로

시간의 흐름에 맡겨둔 상태에서 완료되어 간다. 팽창시켰다가

다시 응축되는 풍선 위로 실이 굳어가는 동안 미세한 요소들이

작용하는데, 실과 미디엄, 접착제와 물의 농도와 비율, 바람이

빠지는 속도, 주변의 온도, 습도 등 다양한 환경적 요인으로

인하여 그 풍선의 모양은 각자 다른 비정형의 형태들로 변한다.

이러한 과정에서 작가는 평소 염두에 두고 있는 예측하지 못하는

다양한 현상들과 그 이면에 존재하는 모종의 질서를 인식하는

것이다.

권혁 작가는 제목 <Controlled and Uncontrolled> 에서 시사

하듯이 통제 가능한 것과 통제 불가능한 것의 이중적 구조를

전제하고 있으나, 의도치 않은 우연이라는 것에 대한 근원적인

의문을 가지고 있다. 우연으로 보이는 찰나의 순간 또한 다양한

환경과 법칙의 작용에 의한 결과이며 이는 곧 필연적인 의도와

통제가 연루되어 있을 것이었다는 것이 시간과 관찰과 탐색에

의하여 드러나고 있다. 세상을 그렇게 바라보다 보니 그런 것

같다. 예술과 세상이 통하는 창구로 환기되는 순간이다

 

2017

Oh Sewon(Director, CR Collective)

 

In 1999, as a curator, I met Kwon Hyuk along with a couple of other artists to create a public art project group called ‘Ozone’. At the time, we were the so-called “aspiring youth(?),” fired up with the intent to attempt something brand new in the Korean art scene. We recruited voluntary participants via online platforms for the project and silk screen-printed our 'Ozone' trademark on aprons, boots, T-shirts, all by ourselves. We wished our work to carry a certain meaning with the element of fun, at the border between life and art. We pondered on our social role as female members in our late 20s or early 30s, as artist or curator. Kwon Hyuk was the eldest Ozone member and she inspired the rest of us in many ways. 

 

Kwon worked on projects that reveal various phenomena since the millennium. Every two years since 2006, she had been constantly active with ‘Moving Project’ and exhibitions such as ‘Nanuda Project’(2008), ‘Journey’(2010), and ‘Grasp the Phenomenon’(2011). One day, she was seduced by the strong glittering effect of special plastic film that she created pseudo-sunlight with a huge round disc. With the human-sized disc, Kwon travelled around various countries to document the reactions of the viewers when they see the disc installed on the street at different time and space. This was the 'Moving Project'(2005-2006). Then, Kwon moved on to the 'Nanuda(meaning 'to share' in Korean) Project' which consisted of asking opinions of people around the world on/offline about the colorful Korean patchwork designs with traditional patterns. This project of communication/exchange revealed numerous disparities among people from different cultures, languages and ways of thinking. Kwon's long-term visual experiments on people's impressions and ontological conceptual experiments on state·race·gender, have expanded the mental horizon to the order of disorder, and chaos-cum-cosmos under liberal restraint, and finally, her works reverted to the essence and fundamental elements of life. In other words, the artist's doubt about the ever-changing phenomena that she had observed through social culture and individual experiments of perception, triggered the exploration into the invariable essence of things which concluded as her drawings and stitch paintings. Kwon's questioning on the essence, life, and living beings, has earned historicality along with art historical context. This is the 'truth-seeker' side of hers.(As noted from the “Preface for Kwon Hyuk solo exhibition 2014” written by Lee Kwan-hoon, Project Space Sarubia) During her process of leaving traces of “energy(qi/氣)” as the movement of thinking, Kwon exposes the tension between the controlled and uncontrolled which respond to material and spirit, coincidence and the inevitable. The artist would express the movement or flow of live energy with water without any specific shape, whether it is a large-scale and meaningful one or a minute and trivial one. Kwon had continued her work with the theme of liberal proliferation and disorder of order through sewing, by leaving traces made of thread. The fluid traces of water on a flat canvas depict tension of spreading and holding, and repetition and disparity produced by sewing labor are embodied into drawings. They resemble landscape paintings filled with flowers, or a waterfall falling from a rock, or choppy waters in the wind. The dynamic brushwork rich in texture, and overlapping stitch work on the bigger-than-human size canvas, allow the viewer to be immersed in the image with ample imagination. The artist who had trained herself for a long time had enhanced the completeness of her work by adding internal depth to her technical maturity. The depth consists of exploring the environment made by the living being with free will, and studying the principle of interaction among beings influenced by their environment. 

 

The thread used by the artist is not the ordinary kind, but the specially thin and strong embroidery thread. With extremely repetitive sewing work, you can create various nuances in terms of effect. The presence of needle and thread and their soft image and inner strength, and the meaning of embroidery and scraps of thread(the residue) after the stitch work, display the surroundings divided by binary tension, as well as the constant kinetic energy which attempts to integrate again with the surroundings. Generally, contrary to the knife which divides an object, the needle and thread which sew up whatever was divided, not harming anything but rather helping, reveal a strong presence. At the same time, the gender factor is added to the work's perspective based on feminism. From her earlier works, the origin of such context can be found, such as in the sanitary belt, or in the video where Kwon denounces the lack of freedom with regards to the explosive popularity of plastic surgery. Furthermore, in reality where the society lacks imagination, you may discover the sincerity which the labor of sewing conveys along with the sense of eternal time, through the solidity of repetition and fine fluttering brushwork on the canvas. This is what Marx would call a creative art work asdealienated labor, work which could overcome alienation of man. In the end, Kwon Hyuk's labor-intensive work reminds us of the book on David Hockney, titled 'A Bigger Message' translated into Korean as 'Again, Painting.' Since the contemporary art scene where disparity is the rule of survival, requires 'again, labor.' 

 

In the exhibition <Controlled and Uncontrolled> at Space Willing N Dealing, Kwon portrays the interest in human, thoughts on life, through fluid water painting symbolizing life and various forms of breath. The artist seeks the cosmic principles in Chaosmos(chaos+cosmos), and the invisible but absolute truth in the sacred book of cosmic mathematics. As the artists of Arte Povera who had criticized materialization and capitalization of artwork, Kwon had physically held captive the breath through her balloon and thread as media, to show an array of various forms of life. The chain of water-life-breath is thin but within the aesthetics of strong and firm labor of sewing, this experienced artist guides us with her serious and mature attitude toward endless ontological and philosophical exploration. 

 

 

 

글. 오세원 (씨알콜렉티브 디렉터)

 

1999년 그룹 ‘오존(ozone)’이라는 공공미술프로젝트 그룹을

결성하기 위해 권 혁 작가와 필자를 포함한 3~4명의 작가 및

기획자가 만났다. 당시 우리는 소위 “피 끓는 청년(?)”이었고,

한국미술계에서 뭔가 새로운 시도를 하고자 하려는 열망에

불타올랐다. 온라인 PC통신을 통해 자발적인 프로젝트 참가자를

모집하기도 했고, 앞치마, 장화, 티셔츠 등에 오존마크를 직접

실크스크린하며 작업을 위한 전의를 불태우기도 했다. 우리는

우리의 작업이 삶과 예술과의 경계에서 재미와 함께 의미화가

가능하길 원했고, 이십 대 후반, 삼십 대 초반의 여성작가,

기획자로서의 사회적 역할에 대해 고민하였다. 권혁작가는

오존멤버에게 “언니”였고, 우리에게 많은 작업적 영감을 주었다.

 

권혁 작가는 밀레니엄 초부터 다양한 현상을 드러내는 프로젝트

들을 추진했다. 2006년 이후 2년마다 ‘움직이다 프로젝트,’

2008년 ‘나누다 프로젝트,’ 2010년 ‘Journey,’ 그리고 2011년

‘Grasp the phenomenon’로 꾸준하게 전시활동을 전개했다.

어느 날 작가는 매우 강렬하여 눈이 부신 반짝임에 매료되어

특수 필름지로 만든 유사 햇빛(사람크기의 둥근 원판)을

만들었다. 휴먼사이즈 원판을 들고 세계 각국의 거리로 나가

시간과 장소를 달리하며 관객들의 반응을 기록하는 ‘움직이다

프로젝트’(2005-2006)를 진행했다. 또한 우리나라 화려한

전통 문양을 작은 조각보형식의 작품으로 만들어 온·오프라인

on-offline을 통해 세계 각국의 사람들에게 문양에 대한 의견을

묻는 ‘나누다 프로젝트’를 기획했다. 이는 문화, 언어, 사고가 다른

사람들과의 소통과 교류를 통하여 수많은 차이를 드러내었다.

이러한 작가의 오랜 인상주의적 시각실험과 함께 국가·인종· 젠더

gender에 대한 존재론적 개념 실험은 이후 무질서의 질서,

자유로운 구속의 카오스chaos이면서 코스모스cosmos로 사고를

확장하여 살펴본 생명의 본질과 근본에로 환원된다. 즉 다양한

사회문화와 개별자간의 인식실험을 통해 끊임없이 변화하는

현상에 대한 작가의 회의는 불변하는 본질탐구에 대한 도화선이

되어 드로잉과 자수페인팅으로 귀결되었다고 볼 수 있다.

작가의 본질, 삶, 생명에 대한 ‘구도자’ (사루비아다방의 이관훈

“2014년 권혁개인전 서문에서”)적 물음은 미술사적 문맥과

함께 역사성을 가진다.

작가는 사유의 운동 “에너지(기/氣)”를 흔적으로 남기는

과정에서 물질과 정신, 그리고 우연과 필연에 응하는 통제와

비통제(controlled and uncontrolled)간 긴장감을 드러낸다.

작가는 거대하여 유의미하거나 또는 미세하여 미비하거나

할 것 없이 생명 에너지의 움직임 또는 흐름을 비정형의 물로

형상화하고, 자유로운 증식과 무질서의 질서를 재봉노동을 통해

실의 흔적으로 남기는 작업을 지속해왔다. 평면 위의 유동적이며

수용 가능한 물 형상은 퍼짐과 머금음이라는 긴장을, 재봉노동이

생산하는 반복과 차이는 드로잉 작업으로 물화한다. 이는 꽃이

흐드러지게 핀 개념 산수화나, 바위를 타고 내려오는

폭포 같기도 하며, 바람과 함께 일렁이는 파도의 한복판 같기도

하다. 이렇듯 화면 안의 동적인 붓질과 스티치stitch로 인해

보는 이에게 형상에 대한 몰입감과 다양한 상상을 가능하게 한다.

실의 겹침·재질감 넘치는 페인팅과 함께 휴먼 사이즈를 넘는

화면의 규모 속에, 오랫동안 훈련된 작가는 기술적 완숙함이라는

외연에 더해 자유의지를 가진 생명이 만드는 환경, 환경에 영향

받는 생명의 상호작용 원리를 탐색하는 내연적 깊이를 담아

작품의 완성도를 높이고 있다.

특히 작가가 사용하는 실은 일반적이지 않은 얇지만 견고한 특수

자수 실인데, 이는 엄청난 반복노동에 의해서 미묘한 차이들을

생산해낸다. 외유내강의 바늘과 실이라는 매체가 가진 존재감과

함께 봉합과정에서 남겨지는 자수와 실오라기 같은 잔여물의

의미들은 이분법적 긴장으로 통합할 수 없는 주변의 모습과 다시

통합하려는 지속적인 운동 에너지를 보여준다. 일반적으로

사물을 분리시키는 칼과는 달리 꿰매고 봉합하여 세상에 해를

입히지 않고 이득이 되는 바늘과 실은 강한 존재감을 드러냄과

동시에 젠더적 의미를 더해, 작품에 대한 소수자를 대변하는

페미니즘feminism적 시선을 기반으로 하는 의미화를 가능하게

한다. 이는 작가의 이전 작업으로 거슬러 올라가면서 위생대

시리즈나, 한 때 성형이라는 폭발적 유행현상에 대한 부자유함을

고발한 영상에서 작업의 맥락적 기원을 살펴볼 수 있다. 또한

상상력이 사라진 사회현실에서, 반복의 견고함과 화면의 미세한

흩날림을 통해 영겁의 시간과 함께 봉제노동이 전하는 진정성을

발견할 수 있다. 이는 마르크스가 말하는 탈소외적 노동이라는

창조적 예술작업에 해당하는 것으로 인간소외를 해체하는

노동이라 할 수 있겠다. 결국 권 혁의 노동집약적 작업은 차이를

통해 생존하는 동시대 미술환경에서“다시 노동”이라는,

‘다시 그림이다’라는 호크니(David Hockney)의 책을 떠올리게

한다.

이번 윌링앤딜링에서의 전시 <Controlled and Uncontrolled>

에서는 생명을 상징하는 유동적인 물 페인팅과 함께 다양한 숨의

양태를 통해 인간에 대한 관심, 삶에 대한 사유를 보여준다.

삼라만상 우주의 원리들을 카오스모스 (Chaosmos : 카오스(혼

돈) 과 코스모스(질서)로, 구 천년 역사의 책)와, 보이지는 않지만

절대성을 가진 진리를 우주 수학의 원전인 천부경에서 찾아

나가고 있다. 작품의 물질화·자본화에 비판적 잣대를 들어대었던

아르테 포베라(arte povera) 작가들의 맥락과 같이 작가는

풍선과 실이라는 매체를 통해 숨을 물리적으로 잡아두어 다양한

생명의 양태를 보여주기도 한다. 물-생명-숨으로 이어지는

연결고리는, 얇지만 견고하고 단단한 꿰맴 노동의 미학 속에서,

작업을 대하는 중견작가의 진지하고 원숙한 태도와 함께

끊임없는 존재론적 철학적 탐구로 이어지고 있다.

2010

JOURNEY                                        Gallery Hyundai 16 bungee

                                                        Mar.25-April.14,2010

KwanHoon Lee /curatorProject Space Sarubia

The Journey of Water drawn from The Sea ● In the city of water, all kinds of thoughts transform into energy, draw water, then the screen cast over with charcoal. The title of Hyuk Kwon's solo exhibition held in 16 bungee is "Journey". She drew the journey of water while staying for a few months in Venice to participate in the Residency Program (2007). Getting with water every day, she has a special interesting experience regarding the existence and significance of water. In particular, boats that pass over the water came to her as an image just like the roads of our city with passenger vehicles and buses, transporting garbage and so forth. The daily images made the artist with fresh one, and while she was drawing water, they came into her view, into her being deep thoughts, and in the end, these thoughts appear in the form of energy whose flow turns water into humans, animals, mountains, and wind. The artist witnesses the very moment when she realizes that humans, animals, mountains, and wind exist not as an individual being but as a whole thing. ● Let us assume that 4.5 billion years ago when the Earth was first created, water drops formed around dust particles and this was the origin of today's sea (water). Water, stuck around more than dozen trillion dust particles that shape the Earth, can be regarded as the starting point of Hyuk Kwon's creation. This point is one of the many holes (points) that thread is stitching into, and these points, in the process of being connected and linked, seek their own journey. Thread that stitches the holes maintains both coincidental and inevitable relationship. ● The artist's has been worked stitch works for the past 10 years including letters, geometrical image etc. This time she transform her stitching work more matured the landscape of water in that the stitch was done alternating single colors and multi colors. As it is no easy task to draw wave with a brush, it is difficult for a usual artist to imagine drawing wave in stitches. The needle becomes the brush, and colorful threads become the palette to paint freely and rapidly. Thread is a medium that is essential in understanding the artist's work. By using thread, the artist goes beyond the conventional concept of general technique used for practical and decorative purposes to represent work with symbol and metaphor of the invisible form. ● Having carried out projects called "Moving Project", "Nanada Project" that had been the artist's main form of work ever since 2005, she has put aside her work pursuing conceptuality and publicity and shows more sensible and emotional language. In this regard the artist, who is at the peak with nothing to fear and to hesitate about, is maybe doing works that touch the most primitive feeling, answering to the fundamental question of energy that she has long dreamed of, rather than pursuing art that is being done within the institutional space. ● The thought of the artist who wanted to embody the flow of energy in the picture that at first seemed unfamiliar…the moment Kwon changed the way she understood things, she gave free rein to her imagination as if journeying on the waters. Humans and animals are the traces of the artist that connect with water and wind, and the boat is placed on this border, without the artist's knowing. The boat remains unseen, but soon again comes to another place, observes, then leads the water to somewhere at the end of the border. Then it is divided into two, causes a wave, and then disappears, and then once again is divided into many, thereby dispersing viewpoints. ● In fact, it varies according to different viewpoints. That is, it plays the role of converging or expanding different viewpoints by connecting the borders of the waters, the sea that the artist had been unaware of. From the 1st viewpoint to the 2nd expanding to the 3rd…and when crossing over the boundary it transcends all time and space. In screen, the artist attempts the course towards multi-point going beyond the vanishing point and perspective from an Energyscape point of view and represents the possibility of change. ● It is hard to take a theoretical approach on the Energyscape. In between human beings, all matters and seven feelings are all mixed, therefore hopefully the existence of an invisible energy will be perceived in this relationship. The artist's trace, derived from the experience of thinking, begins as an observer of invisible energy, then functions as an assistant in controlling and coordinating space and object. Kwon continues to draw the changing landscape with time and space and will now face the move towards the intuitive world where the body changes its constitution to go for a stroll, experience and remember. ● The artist seems to have felt the gap of our busy and hectic contemporary life while looking at the Venetian waters. Points that are ephemeral (compared to water) iKmmediately converge and disperse, singing the transience of life, whereas the artistic eyes emphasizing life is metaphor to that sea. Now marks the beginning. If the points are used to dismantle the borders of the world, hopefully, the aggressively daring energy is displayed to the fullest. "Energyscape" is the flare being fired. ■ Kwan Hoon Lee

 

바다에서 건진 물의 여정 

 

물의 도시에서 온갖 상념들이 에너지로 바뀌어 물을 그리고 화면에 목탄으로 드리운다. 16번지에서 치뤄지는 권혁의 개인전 제목은 여정(旅情)이다. 레지던시 프로그램(2007)에 참여하기 위해 베니스에 몇 개월간 머물며 물의 여정을 그렸다. 매일 물을 접하며 물에 대한 존재와 중요성에 대한 흥미로운 경험을 하게 된다. 특히, 물위를 지나는 배들은 자가용이자 버스이며 쓰레기를 이동하는 등 우리 도시의 길처럼 일상적인 모습으로 다가왔다. 그들의 일상적 모습이 작가에게는 생소함으로 다가왔고 물을 그리는 내내 자신의 눈 속으로 관념 속으로 들어왔으며, 마침내 관념은 에너지의 형태로 나타나 그 흐름으로 물이 사람이 되고 동물이 되며 산과 바람이 된다. 물, 사람, 동물, 산, 바람이 개개(箇箇)가 아닌 하나로써 존재함을 깨닫는 순간을 작가는 목격한 것이다. 

 

45억 년 전 지구 생성 당시, 먼지 알갱이에 물방울이 맺혔고, 그것이 현재 바다(물)의 기원일 수 있다는 가정 하에 지구를 형성한 수십조의 먼지 알갱이에 붙어 있던 물은 작가의 창작 시발점인 점(點)과 같다. 그 점은 한 땀 한 땀 실이 엮어가는 구멍의 한 점이며, 그 점들이 이어지며 연결되는 과정에서 각자의 여정을 찾아간다. 그 구멍을 엮는 실은 작가에게 우연이지만 필연적인 관계로 존재한다. 

꽤 오랫동안 스티치작업(글자, 기하하적 이미지 등)을 완성해온 작가의 입장에서 주어진 물의 풍경은 단색과 다색을 오가며 스티치로 한다는 것이 또 하나의 신선함이었다. 붓으로 물결을 그린다는 것은 여간 어려운 것이 아니듯 스티치로 물결을 그린다는 것은 일반 작가들은 상상하기 힘든 작업이다. 바늘이 붓이 되고 색색의 실들이 물감이 되어 그림을 그리듯 자유자재로 빠르게 그려나간다. 실이란 매체는 작가작업을 이해하는데 있어서 중요한 요소이다. 단지 실을 이용해 실용적, 장식적으로 쓰여 지는 일반적인 기법의 통상적 개념을 넘어서 보이지 않는 형상의 상징과 은유를 통하여 작업에서 나타내고자 한다. 

2005년부터 주 작업형태인 ‘움직이다’, ‘나누다’라는 프로젝트를 진행해오면서 개념성과 공공성을 지향해온 작업을 잠시 뒤로한 채, 보다 감각적이고 감성적인 언어를 보여준다는 측면에서, 세상 두렵고 망설일게 없는 정점에 선 그는 그간 제도 공간에서 행해지는 미술보다 그토록 꿈꿔 왔던 氣의 근원적 물음에 답하는, 어쩌면 가장 원초적인 감성을 건드리는 작업을 행하고 있는 것이다. 

 

처음에 생소하게 느껴졌던 그림 속에 기의 흐름을 담고자 했던 작가의 생각을 필자가 인식의 전환을 하는 순간 물 위를 여정하듯 마음껏 상상했다. 사람과 동물은 작가의 잔영(殘影)물로서 물과 바람과의 관계 맺기를 하며, 배는 작가 자신도 모르게 이 경계에 놓여진다. 보이지 않다가 이내 다른 곳에 와서 또 관찰하다 물을 이끌고 어디론가 경계의 끝으로 간다. 그러다 다시 두 개로 나눠져 물결의 파동을 일으킨 후 사라지다 다시 여러 개로 나눠져 시점을 분산시킨다. 

그러고 보니 바라보는 주체적 관점에 따라 달라진다. 즉 작가가 의식하지 못했던 바다의, 물의 경계를 이어가며 여러 시점을 모이게 하거나 분산시키는 또는 확장시키는 역할을 한다. 1시점에서 2시점, 3시점으로 점점 확산해나가며 그 경계를 넘어서면 모든 시공간을 넘나들게 된다. 이러한 작은 화면에서 소실점과 원근법을 넘어 다시점(多時點)으로 향한 과정을 작가는 에너지 풍경이라는 관점에서 시도하고 변화해가는 가능성을 제시한다.           

에너지의 풍경은 이론적인 사고로는 접근하기 힘들다. 사람과 사람 사이에 모든 만물과 칠정(七情)이 섞여 그 관계 속에서 보이지 않는 기의 존재를 느꼈으면 한다. 사유의 경험으로부터 시작된 작가의 행보는 보이지 않는 기의 관조자로서 출발하여 공간과 사물을 통제하고 조율하는 조력자로서 기능한다. 시간과 공간에 따라서 변화된 풍경을 바라보며 계속 그려나가는 그로서는 이제 몸으로 산책하고, 경험하고, 기억하는 체질로서 바꾸어가는 직관의 세계로 이동함을 직시하게 될 것이다. 

작가는 베니스의 바다를 보며 바쁘게 돌아가는 현대적 삶의 괴리감을 느꼈다고 본다. 하루살이의 인생과 같은 점들(물에 비유)이 순간 모여졌다 흩어졌다 하면서 인생의 덧없음을 노래하는, 반면 삶을 역설하는 예술가적 시선을 그 바다에 은유 한다. 이제 시작에 들어섰다. 점을 통해 세상의 경계를 허무는 관점이라면 거침없이 저돌적인 에너지를 맘껏 보여줬으면 한다. ‘에너지의 풍경’이 그 신호탄이다. 

 

이관훈 (큐레이터, Project Space 사루비아다방) 

 

2011

2011 into drawing                                       Soma Museum of Art/2011.1.26-2.13

Motion amidst Rest, Rest amidst Motion

By Younjeong Park, Chief Curator of SOMA

 

 

Hyuk Kwon’s brings the word ether to mind: It is energy that is static yet vibrant on her canvas; it is full and empty space. This is the topic I have worked on recently. 

Aristotle believed the Earth is made of fire, earth, air and water, all temporal elements, without considering ether, heavenly everlasting matter. Influenced by Plato, he thought nature moved for a purpose. However, he refuted Plato’s doctrine of ideas, that the entity of an object exists separate from a concrete object.  Aristotle thought the true nature of a desk and the desk as concrete material were combined. I wonder which direction Hyuk Kwon has pursued: true nature or concrete matter? She has sought both it seems. An analysis of her work begins here. 

 

Ancient Greek naturalist philosopher, who sowed the seeds of materialism, supposed all objects were created by waves of light, and ether, an imaginary matter, engendered such waves. This fifth element was a key subject of alchemy and mysticism. Alchemists tried to look for the fifth element while trying to make gold, a process that indirectly would make the world perfect. Their pursuit continued into looking for the Holy Grail by mystics who pursued eternal life. Although modern scientists proved ether does not exist, there was always a motivational gap between science and philosophy. A fifth element in early Buddhism was critical to grasping the nature of pain and freedom from this. It was close to the abstract rather than a material thing characterized by solidity, liquidity, temperature, or mobility. Early Buddhism focused on how these features were sensed. Buddhist teaching on the fifth element is understand as fundamental to any sensuous inspection, rather than any philosophy and is known as preceding the Western concept. 

 

In a scientific respect, an atom is formed with protons and neutrons made of elementary particles. A molecule consists of atoms, and objects including life forms are made of molecules. These form celestial bodies, and celestial bodies shape the universe. These are many phases here, and each phase is shaped with diverse and changeable aspects. All arise and vanish, live and die in a moment. Imagine a vacuum state: A vacuum is not a state of nothingness but a state filled with particles, colors and material. For Buddhism this is selflessness. Things with selflessness and no-entity appear and disappear, depending on connections with space and time. As all is change in the universe, we are selflessness only spatially and temporally, through the theory of dependent origination in Buddhism, raising the potential for vanity. 

 

This correlation between science and philosophy is required to understand the energy Hyuk Kwon explores. This is why the above accounts are required. Sensory experience is possible through our bodies, objects, and physical laws. The world of perception is not decided temporarily by the objective world, but is completed through communication between object and subject. An appreciative eye is formed in between an objective color and a subjective eye. As all creations relying on imagination, Kwon's work is same with this, but differentiated in that her inner self on an audacious voyage facing abstract energy becomes substantiated, undergoing the process of unifying energy in the relationship between nature and man, part of nature. The artist embraces objects without fear although mountains, fields, the sea and trees appear conspicuous in her canvas. She presents a tiny human figure that is probably her self portrait through energy with same presence. 

 

In the Fifth Element French film director Luc Besson claimed the missing element in modern society dominated by materialism was love. Love here as an alternative echoes Erich Fromm’s idea, although somewhat contrived by Hollywood storytelling. The nature of visualized energy Hyuk Kwon explores is not the banal, conventional true of love, but is close to religious philosophy. A feast of lines represents the artist’s mental imagery through a correlation between a sewing machine and her hand. Her hand to substantiate invisible energy may be similar to that of an alchemist. Another example is British philosopher Francis Bacon’s comparison of an Aesop fable to alchemy. A farmer leaves a will that he buried gold somewhere in a vineyard. His sons dig up the ground, without discovery, but they enjoyed a rich harvest. Likewise, the artist’s stitching ultimately aims for utopia that ensures a rich life. 

 

A way to be emancipated from pain is to face it and grasp its cause. Unlike ordinary people, the artist has the right or mission to inspect different energy at the moment she realizes all in the world are futile amidst anguishedexplorations. Likewise, Hyuk Kwon's grasp of phenomena is the process of expressing and recording the substantial fragments of something invisible and uncapturable. ■ PARKYUNJUNG

 

정중동, 동중정

 

에테르(ether). 권혁의 작업을 보고 내심 떠 올린 첫 단어이다. 화면위에 정지되어 있으나 끊임없이 생도하는 에너지. 에테르는 충만한 동시에 비어있는공간이다. 공교롭게도 필자가 근자에 몰두하고 있는 화두와 같다. 

아리스토텔레스가 불, 대지, 공기, 물은 세속적이며  사라지는것이며, 별은 4원소와는 다른 변하지않는 천상의 물질, 즉 제 5원소인 에테르로 만들어진다고 가정하였다. 아리스토텔레스는 플라톤의 영향으로 자연은 어떤 목적을 향해 움직인다는 세계관을 가지고 있었다. 하지만 사물의 본질이 구체적인 사물과는 별도로 존재한다는 스승의 이데아론을 거부하면서 입장의 차이를 보였다. 즉, 책상의 본질과 책상이라는 구체적인 물질은 분리할수 었다다고 본 것이다. 여기서 궁금해진다. 작가 권혁이 추구하는것 또한 본질이자 구체적인 물질이 아닌가. 그 둘 모두이기에 화면위에 형태로 표시되어 작품으로 제시된것인데, 권혁의 작업에대한 분석은 작가의 치열한 재봉질 마냥 엉킨 실타래에서 시작되었다. 

유물론 철학의 씨앗이 되었던 고대 그리스의 자연주의 철학자들은 모든 사물의 생성은 빛의 파동이며 파동을 일으킬 매질을 에테르란 가상의 물질로 상정했다. 또한 제 5원소는 연금술과 신비주의의 핵심주제가 되었다. 연금술사들은 가장 완전한 금속인 금을 만들어 내는데필요한 매개체인 제 5원소를 찾아내려했으며, 이를 통하여 세상의 모든것이 완전한 존재로 완성된다고 보았다. 연금술인 제 5의 원소, 즉 현자의 돌을 찾기는 영원한 삶을 추구하는 신비주의 자들의 성배 찾기로 이어진다. 근대 과학자들에 의해 에테르란 존재하지않는다는것이 증명되었지만과학과 철학의 갭은 언제나 그렇듯이 평행을 이루며 인류의 생을 향한 원동력이 되어왔다. 초기 불고에서 4원소는 고통을 이해하는 근간이자 고통으로부터 자유롭게하는 근간이고, 고체, 액체, 온도, 이동성으로 특정지워지는 물질적 존재라기보다 추상에 가까운것이며 이것들이 어떻게 느껴지는지에 집중한다. 즉, 4원소에 대한 부처의 가르침은 철학으로서보다 실제감각의 성찰에 대한 기본으로 이해되며 서양의 4워소 개념을 시각적으로 앞선것으로 알려져있다. 

과학적으로 말하자면, 소원자들이 모여 양성자나 중성자를 이루고 그들이 모여 원자를 이루며 원자가 모여 분자를 그 분자들이 모여 생명체를 포함한 각가지 물체를 이룬다. 또 그것이 전체를 이루고, 그 천체들이 모여 우주를 형성한다. 이렇듯 여러 단계가 있고, 각 단계마다 다양한 모습이 있지만 그 모든것들이 어느정도 고정된것이 아니다. 찰나에 생겼다가도 소멸한다. 우리 주변의 모든것들이 이순간에 살고 또 죽는다. 진공상태를 상상해 보자. 진공이란 아무것도 없는 상태, 완전한  무의 상태가아니라 오히려 입자들이 가득찬 상태, 색, 즉, 물질로 가득찬 채워진 상태를 말한다. 이를 불교에서느 무아라고하며, 이렇게 무아이며 무실체적인 것들이 시간과 공간안에 인연에 의해 나타났다가 또 인연의  흩어짐에 의해 사라지니, 우주에는 변하지않는 존재란 없으므로 무상이다. 이렇듯 우리자신을 포함하여 모든 존재란 공간적으로 무아요 시간적으로 무상이라는것이 불교에서 말하는 연기론의 관점이다. 

 

권혁이 탐색하고 있는 에너지를 이해하기위해 과학과 철학적 상통개념을 끌어올수밖에 없었기에 이렇듯 서론이 길어졌다. 감각의 경험은 우리의 신체와 그 대상, 물리법칙과 같은 존재방식에 의해 나타나는 현상이다. 그러므로 우리의 인식세계는 객관적인 세계에 의해 일시적으로 결정되는것이 아니라 객관과 주관이 상통하면서 완성된다. 안식(안목과 식견) 이라는것은 그것을 생기게하는 실체가 객관적 대상에 있기 때문이 아니라 객관적 대상린 안과 주관적 대상인 색이 어우러지면서 형성되는것이다. 상상에근거한 모든 창작이 그럴진대 권혁의 작업개념역시 다르지 않으나, 무정형의 이 에너지와 독대하여 저항할수 없는 두려움의 대상으로 시각화하던 작가의 내면이 이제는 관조의 태도로 정화해가고 있다는것에서 그의 특별함을 찾을수 있을것 같다. 산과 들과 바다와 나무가 작가의 화폭안에서 열렬한 자기 표현에 몰두하고 있음에도 작가는 대상을 관조하고 그 담대함을 있는 그대로 수용한다. 

프랑스 영화감독 뤽베송은 영화 (제 5의 원소)에서 물질주의 가치관이 지배하는 현대사회에서 잃어버린것을 ‘사랑’이라고 강변했다. 이렇게 유물론적인 관점과 사랑이 인류의 대안이 된다는덧은 에릭프롬의 사상과 상통하지만 헐리우드식의 스토리텔링에 가까운 억지스러운 면이 없지않다. 권혁이 탐색하고있는, 치열한 자기 정제를 거쳐 시각화된 에너지의 본질은 사랑이라는 진부한 동서고금의 진리가 아니라 고차원적인 종교철학에 가깝다. 작가의 재봉틀이 진동과파동을 통해 한땀한땀 이루어내는 선의 향연은 손과 기계의 연기형식이 빛어내는 작가의 심상이다. 보이지않는 에너지를 실체화하려는 작가의 손놀림이 연금술사의 그것과 흡사하다는 생각을 해본다. 영국의 철학자 프란시스 베이컨이 연금술에 비견한 우화를 예로 들었다. 어느 농부가 임종시 포도밭에 금을 묻어두었다고 유언을 남기자 아들들이 정신없이 포도밭을 파헤쳐보았지만 금은 나오지 않았고, 대신 그해 가을 포도수확이 풍성했다는.  금으로 내 손에 주어지지 않을 망정 분명히 삶을 풍요롭게 해줄 이상향, 무상의 그곳이 작가의 치열한 재봉질이 궁극적으로 향하는 곳이 아닐까. 

고통의  직면해있을때 고통을 적당히 회피하기 보다 그 고통을 직시하고 그것의 원인이 무엇인지 파악하는것이 고통에서 해방되는 방법이라 했다. 작가가 그간 직면했던 거대한 자연현상의 에너지 앞에서 두려움을 거두고 당당해딜무렵, 그 보이지 않는 현상을 잡으려는 부단한 작가의 의지가 이번 전시를 통해 더욱 단단해지리라 기대해 마지 않는다. 이 세상의 모든것이 무상하다는 것을 깨닫는 순간 진리의 동면에 들어가 어느덧 또 다른 에너지와 마주하는 성찰의 과정이 범인과는 다른 작가의 권리이자 의무이기도 한 것 처럼. 

 

Meditation in space between dots

Meditation in space between dots _ Hyuk KWON

By Kwanhoon Lee, curator of Project Space Sarubia. 

 

A drop of water combined with a fleck of dust 4.5 billion years ago when the earth formed might be the source of a vast sea today. Drops attached to a myriad of flecks of dust like dots are the departure point of artist Hyun Kwon’s work. The artist discovers her path by stitching these dots, one by one. The dots are holes through which threads are stitched. The thread is coincidental, but is within an inevitable relation. 

 

 Kwon has presented many results using dots as a departure point and contemplation of water. A place Kwon unfolded her imagination was the sea near Venice in 2007. Daily she embraced scenes occurring on the sea from other’s perspective, unfolding her meditative imagination. Boats on the water appeared like urban transport such as cars and buses. However, she felt this was also unfamiliar, and accepted it through her eyes ideally, so it eventually appeared in the form of energy, the water, men, animals, mountains and wind. 

 

Her enlightenment is represented in painting. Many objects freely move in space-time, relying on her subjective perspective. Humans and animals enter relations with water and wind. The through of the artist who wanted to embody the flow of energy that at first seemed unfamiliar; the moment Kwon changed the way she understood things, she gave free rein to her imagination as if journeying on the water. Humans and animals are traces of the artist that connect with water and wind, but soon comes to another places, then leads the water to somewhere at the border. Then it divides into two, causes a wave, then disappears, and then once again is divided into many and more dispersing viewpoints. 

 

In fact, it varies according to different viewpoints. That is, it plays the role of converging expanding different viewpoints by connection the borders of the water, the sea that the artist was unaware of. From the 1st viewpoint to the 2nd expanding to the 3rd…….,and when crossing the boundary it transcends all time and space. On screen, the artist attempts a course towards multi-point, beyond a vanishing point and perspective, from an energyscape point of view to represent the possibility of change. 

 

It is hard to take a theoretical approach to energyscape. In between human beings, Ten thousand Things and the seven emotions joy, fright, anger, worry, sorrow, fear, and grief are mixed, and invisible energy is innate their relation. The artist’s trace, from the experience of thinking, beings as an observer of invisible energy, the functions as an assistant in controlling and coordinating space and object. Kwon continues to draw the changing landscape with time and space and will now face a move towards the intuitive world where the body changes its constitution to walk, experience, and remember. 

 

The artist felt the gaps in our busy and hectic contemporary life while looking at the Venetian water. Points that are ephemeral (like water) immediately converge and disperse; singing the transience of life, whereas artistic eyes emphasizing life is metaphor for that sea. Working in sensuous, emotional language, Kwon has nothing to fear. She executes work touching raw sensibility, replying to fundamental questions about invisible energy.

2014

Energy Flow of Light and Wind Captured in Landscape

 

Until 2008, Hyuk Kwon had searched for the proper language of nature through her own choices and experiments(project, drawing, video, performance, stitch, painting, etc. which began from the inner self, and verified the location of each barrier). Such experience led her to ultimately find the language outside the frame of art. Her basic concept of creation is Energy(氣 Qi: air, breath) of which the starting point could be the cosmos, on a big scale, or a single dot, on a small scale. What she has realized through numerous years of self-verification was that all matters are linked as an organism without borders. Such awareness also finds its root in the same context as the circulating logic of birth and death within nature.

 

Kwon had constantly raised the issue of water, the origin of all matters, and during her process of drawing, observation and contemplation, she entered the Park Soo Keun Museum’s residency program in July 2013. For the artist, this occasion quenched her on-going thirst for the desire to become one with Mother Nature, and so for 6 months, she went on drawing as if keeping a diary.

 

Kwon took daily walks in the nature, seeing, hearing and feeling, while breathing to gradually unify nature and the inner world. Becoming one with nature, such is the dream of every urban life and Kwon managed to realize the dream. She is now creating by answering her long-dreamtfundamental question on Energy, by dealing with the most primitive sensibility. 

 

The expression of such commencement was ‘Water(Life)’ and the artist has drawn all kinds of different shapes, from water to flower, tree, forest, birds, mountain, clouds, and the sky. Such various shapes would be interpreted differently by others but for the artist, they were all one single energy landscape. Hence, trees, forest, sky, water, land, cloud and sea are all transformed into invisible air in the artist’s perception or conception and she draws such a phenomenon. 

 

The remarkable observation about the artist is that with her various studies and experience for such a long time, her reflection on the inner self encounters the outer world and restarts with the fundamental doubt about the very simple and basic act of ‘drawing’. She had written down quotes in her diary such as, “Everything tends towards landscape.” by Philipp Otto Runge(1777-1810), the German Romantic painter and “I would no longer paint from nature.” and “Since I was part of nature – since I was nature itself”, a quote from the autobiography of Man Ray(1890-1976), the American Surrealist painter and photographer. Kwon had incarnated the meaning of such quotes in her proper language in nature. Any text with wonderful meaning matters only if the timing of a swift moment is just perfect. For Kwon, it was the phenomenon of introducing language at the most desired moment.  

 

At this moment, it is impossible to draw ‘nature and drawing’, draw nature as drawing, draw drawing as nature, from an ostensible viewpoint. However, instead of viewing it as a landscape drawing by the logic of representation, reflecting mutual relations, what if we understand it as emotional expression in instinctive/sensitive language which rooted from the ego of the artist as an individual? Who would be able to deny this, after all? Rather than valuing the landscapes drawn at such and such location and the issues of their expressions, I suggest observing the artist’s attitude toward nature, one by one.  

 

Modern society has experienced the sharp division of city and nature. Nature has been pushed away to the selfless world, due to the convenience of urban desire, and modern man has eliminated nature according to his living pattern formed mainly by convenience standards. He has adopted a sort of closed circuit out of momentary desire and is slowly falling sick due to this self-made model of suffocating vacuum society. Modern man goes around pursuing the slogan of being in harmony with nature but does not possess a body or thought as pure as nature. Contrary to the urban environment, nature changes every day, every hour, or every moment that flows. Compared to her life-long itinerary, Kwon has quickly sensed the ordinary routine of unlimited and unpredictable nature, despite such a short time. However, she endeavors to observe the nature with the attitude of slow sensibility and to sense it from an autonomous perspective.

  

That is why she ruminates nature through drawing and went on with it. From small living beings to trees and the sky, the artist was in awe of nature and even gradually learned about modesty. While she exposed herself to the sun and the wind, she would express her observation as the following: “clouds vigorously transform themselves into beautiful shapes above mountain tops, the wind mixed with cold and hot air, surrounds my body...” and thus, she fully enjoys such liberal and playful encounter with nature. 

 

What would have the artist realized from such playful viewpoint? All of a sudden, the perceptive frame came to my mind. Depending on which side you are observing, from the inside of the frame(plastic art) or the outside(life, space), the perceived object differs. From this perspective, Hyuk Kwon is in the process of viewing the art frame through the frame of life and space. That is, she has succeeded in observing the ecosystem, the life of nature and in amusing herself with insects and animals, trees and flowers, mountain and forest, clouds and the sky and the earth. She has almost gone into a sort of trance while smelling and listening to these voiceless beings of nature. 

 

Only the artist must know how the actual inspiration feels like but her body does indeed emit the sense of being dyed altogether in nature. Such sense is proved by the landscape series of mainly trees(20 July – 30 December 2013, total 72 pieces), which remind us of the works of Park Soo Keun. These landscapes drawn mainly with charcoal make us cherish time and memories of moments. These works are true to life, simple and modest, and reveal daily emotions with frankness. As if planting a tree on every page, these earnest works of drawing convey the mind of nature itself rather than the aesthetic feel of the drawing. The sincerity of life plucked from the outside of the art frame were drawn in the form of a diary. 

 

Contrary to the actual landscape drawings, there are sky and sea landscapes reproduced by the artist’s imagination. These are namely the Energyscapes which portray the model of landscape without borders, as in the aforementioned quote, “Everything tends towards landscape.” From a single dot, a certain shape is formed and then this shape is scattered and gathered, again and again. Kwon proposes numerous possibilities of landscapes through liberal imagination and various perspectives and she does not pursue completeness as a single image. Moreover, in her Energyscapes, she interprets the countless dots(scattered units of image language which stand for the nature of origin and life) with symbolic meaning into unlimited space like the sea and the sky, intuitively. Hence, the artist had succeeded in expressing in her own language after a long time of contemplation and after finally establishing such a system. 

 

Landscapes can appear differently according to the beholder, whether he/she perceives landscapes from a certain viewpoint or frame. The beholder has a certain identity formed by memories of long time ago as well as witnessing of events and phenomena that arose in life. This identity changes its language according to time and space. The artist who endlessly attempts to change, has applied the specific location of Park Soo Keun Museum studio in Kangwon Province, which is close to the special area of DMZ, the Military Demarcation Line of the Korean Peninsula. Kwon had used this fact as the occasion to enliven the previous language, adapting it to the specificity of the location.   

 

Landscape always exists ‘somewhere’ but depending on the environment, it changes daily little by little, according to the given itinerary of life. As part of the landscape, man changes along with it but the landscape rests serene. Landscapes have been reproduced into all kinds of different sceneries by countless artists. For Kwon, nature is beyond beautiful scenery to look at and her body had caressed, cared for and embraced nature, in a playful attitude. Ideal nature had returned to reality to remind her of the traces of memories of the beginning and had been replaced to Energyscapes. As a result, in the exhibition titled <Nature DMZ>, her drawings had to prove that nature is the illusionary body which the unconscious mind digs up from the spring water of passion and pursues. It is no longer the object of reproduction, perceived by the eye. Kwon had also brought to light that nature realizes the frame of perception which moves from intangible space to tangible space. 

 

Kwan-Hoon Lee(Curator, Project Space SARUBIA) 

NATURE -DMZ / 권 혁

박수근 미술관 / 1.09~1.30.2014

 

 

자연의 근원인 동시에 만물의 근원을 상징적 물 드로잉과 실 스티치를 겸한 페인팅, 설치작업등으로 표현해 왔다. 오랫동안 물을 그리고, 관찰하면서, 자연에 대하여 관심이 더욱 생기며, 자연을 보다 가까이에서 접하며, 그리고 싶다는 갈증을 느꼈다. 지난 여름, 최고로 더운 서울 날씨를 뒤로하고, 한반도 중심이며, 국토의 정중앙에 있는 강원도 양구에 왔다. 정전 60주년인 2013년, 현재 세계에서 유일하게 있는 DMZ 근방이다. 이곳은 지리적으로 군인과 군부대가 중심을 이루고 있는 특수 지역으로, 우리나라가 휴전에 있다는 것을 실감하게 된다. 현재 지금 이곳, DMZ이라는 장소, 그리고 한반도, 지구... 등의 확장된 개념으로 작업의 시작점으로 돌아가 새로이 작업을 풀어나간다.

 

 

오랜 동안 물을 그리며, 막연히 생각했던 물이라는 존재에 대하여 실제의 물의 느낌은 너무나 달랐다. 결국, 내가 보고, 그리고, 느끼고, 체험했던 것은 물이 아니였다. 순간을 포착하여 그린 물은 물의 형태였지만, 산의 형상이었고, 그것은 이 지구를 가득히 채운 물질, 혹은 물체, 바로 에너지(기; 氣) 였다. 기가 모이면 형체를 가진 물체가 되고, 기가 흩어지면 형태가 없는... 한 점으로 시작된 작업은 드로잉, 회화를 겸한 설치까지 이어지며, 생명의 근원인 점은 하나에서 출발하여 여러 개의 연결된 점들로, 가득차 있으나 텅빈...이러한 생각을 작업으로 이끌어 보았다. 우리가 사는 세상에서 보이지 않는 어떤 거대한 현상과 자연 이라는 존재앞에 인간의 수명은 지구, 태양의 수명이 대략 100억년이라는 관점에서 볼 때, 하루살이같은 생명체가 아닌가. 우리가 살고 있는 지구라는 이 공간은 유형과 무형의 어떤 것들로.. 꽉 채워진것이 아닌가.. 그것들의 움직임 또는 현상을 인간중심으로만 생각하는 우리가 느끼지 못할 뿐... 인간을 비롯한 자연은 동물, 나무, 새 ..등은 한 점이며, 하나의 존재이며, 크게는 우주인 것이다. 순간이 영원이며, 영원이 한 순간이듯이 말이다.

 

 

인간과 자연의 첫 관계는 이름 짓고 부르는 것에서부터 시작 되었다고 한다. 자연을 우주를 보듬는 어머니의 품이라 생각했던 독일의 낭만주의 화가 필리프 오토 룽게는 1802년 이렇게 선언한다. “모든 것은 풍경화로 통한다.” 라고… 정말 지금 이 순간 그리고 있는 이 나무, 자연은… 아마도 예전의 박수근 화백이 생존해 있을 때의 나무도 있고, 아닌 것도 있을 것이다… 그러나, 인간의 존재처럼, 나무도 살아 있는 생명체라 생각하면, 그것의 침묵과 인내에 경의를 표하게 된다.

2012년부터 시작되었던 작업은 자연스럽게 이곳에 와서 에너지 풍경-DMZ 으로, 이곳의 특별한 지역의 이미지를 파란 하늘을 중심으로 캔버스에 실 스티치로 원을 만들면서 DMZ풍경을 그려나간다. 산과 분단된 현실, 그렇지만, 언젠가는, 아니 곧.. 남과 북, 우리는 하나가 될 것이라는 굳은 믿음을 가지고 말이다.

 

 

“더 이상 사생화는 그리고 싶지 않았다… 생략 …그림을 그리기 위해 대상 앞에 앉는 것은 진정 창조적인 그림에는 방해가 될 것이다. 중략.. 나는 자연에서 무언가 영감을 찾는 일은 그만 두었을 뿐 아니라, 점점 더 인공적인 대상으로 내 관심의 방향을 옮겨 갔다. 내가 자연의 일부이고, 내가 자연 그 자체이다. 따라서 내가 어떤 제재를 택하든 간에, 내가 어떤 환상이나 모순을 제가 하든 간에, 그것들은 무한하고 예측하기 힘든 자연의 표상들 속에서 자연처럼 기능할 수 있을 것이다. …” -만 레이-

 

 

현재 내가 하는 작업과 정반대의 의견이다. 지금까지 대부분, 상상의 것을 재현해 왔다. 그리고, 자연으로 돌아왔다. 자연 앞에 맞닥뜨리고 그리고 싶다. 너무나 오래 잊었던 자연이다. 자연... 그 아름다움에 행복을 금할 수 없는데 말이다.

아이러니 하게도, 만 레이가 말한 것을 지금 두 가지 모두를 하고 있다. 자연 앞에서 자연을 그대로 그리는 일과 상상속의 자연을 재현하는 일을 말이다.

 

보는 시선에 따라 달라지는 볕景과 바람風

 

권혁은 2008년까지 자기 본성의 고유 언어를 찾기 위한 스스로의 선택과 실험(내면의 자아로부터 시작한 프로젝트, 드로잉, 영상, 퍼포먼스, 스티치, 회화 등의 작업으로 경계의 위치 확인)을 통해 경험을 얻고, 궁극적으로 미술 프레임의 밖에서 언어를 찾는다. 크게는 우주, 작게는 점에서 시작하는 기본적인 작업개념은 에너지(氣 : 공기, 숨)이다. 그가 수년간 자기검증을 통해 깨달은 것은 모든 만물이 경계 지워지지 않고 유기체로서 연결 지어진다는 자연의 생성과 소멸의 순환적인 이치와 같은 맥락에서 비롯된다. 

그는 만물의 근원인 물에 대한 화두를 끊임없이 가져오며, 이를 실천하기 위해 그림을 그리고 관찰하며 사유의 체계로 접근하는 과정에서 2013년 7월에 박수근 미술관의 레지던스로 들어가게 되었다. 작가에게는 평소 자연과의 일체감을 느끼고 싶은 절실함을 해소하는 계기가 되었고, 그렇게 6개월 동안 일기처럼 그림을 그려나갔다.

작가는 자연 속에서 매일 산책하며 보고, 듣고, 느끼며 점점 자연과 내면의 세계가 하나가 되는 호흡을 한다. 자연과의 일체감, 도시 생활하는 사람이면 누구나 꿈꾸는 삶을 몸으로 실천하며, 그토록 꿈꿔 왔던 氣의 근원적 물음에 답하는, 가장 원초적인 감성을 건드리는 작업을 행하고 있다.

그 시작의 표현은 ‘물(생명)’이었으며, 여기서는 물에서 꽃으로, 나무로, 숲으로, 새들로, 산으로, 구름으로, 하늘로 옮겨가며 다 다른 형상을 그려왔다. 하지만 그 형상들은 타인들에게 다르게 읽혀지겠지만, 작가에게는 하나의 에너지 풍경으로서 다가갔다. 그러니까 나무 숲, 하늘, 물, 땅, 구름, 바다가 작가의 인식이나 관념 속에서는 보여 지지 않는 공기로 치환되는 현상을 그려내고 있는 것이다. 

 

흥미로운 현상은 불혹 끝자락에 접어든 나이에 자신의 내면의 성찰을 바깥세상과 교우하며, 매우 간단하고 기본적인 ‘그린다’라는 것에 원론적인 의문을 품고 다시 출발한다는 것이다. 그의 일기에 작성된 “모든 것은 풍경화로 통한다.”라고 독일의 낭만주의 화가 필립 오토 룽게(Philipp Otto Runge : 1777-1810)가 던진 의미도, 미국의 초현실주의 사진작가 만 레이(Man Ray : 1890-1976)의 자서전에서 ‘더 이상 사생화는 그리고 싶지 않았다.’며 “내가 자연의 일부이고, 내가 자연 그 자체이다.”라고 쓴 의미도 그에게는 자연 속에서 자신만의 언어로 육화된다. 아무리 좋은 의미의 텍스트라도 찰나의 타이밍이 중요하듯 절실했던 순간에 언어가 이입(移入)되는 현상이다. 

그 순간에 ‘자연과 그림’을, 자연을 그림처럼, 그림을 자연처럼 그린다는 것이 표면상으로는 불가능하다. 하지만 서로의 관계를 그대로 재현의 논리로서만 대입시켜 사실화처럼 판단하기보다는 작가 개인의 자아에서 출발한 본능적/감성적 언어로부터 감정적 표현을 한다면 어느 누가 부정하겠는가? 이곳에서 그린 풍경화와 그림 표현의 논제를 놓고 판단하기보다는 그의 자연에 대한 태도에서, 찬찬히 인식해보자는 것이다. 

현대사회는 도시와 자연이 분리되어 있다. 도시 욕망의 이기로부터 자연은 이타적세계로 밀려나며, 현대인들은 편리위주의 패턴대로 자연을 제거하고 삶을 영위한다. 순간의 욕망으로부터 취한 폐쇄회로처럼 답답한 진공 사회의 전형을 만들어놓고 병들어간다. 현대인은 자연 친화를 외치며 가고오지만 자연의 순연성(純然性)만큼 몸이나 생각을 갖고 있지는 못하다. 도시환경과는 달리 자연은 매일, 매시간 아니 순간이 지속될 때마다 변한다. 그 무한하고 예측 불가능한 자연의 일상을 잠시지만 작가는 살아온 인생의 여정 이상으로 체감을 빠르게 느낀다. 하지만 자연을 느린 감성의 태도로 들여다보며 주체적 관점에서 느끼려고 애쓴다. 

그래서 그는 자연을 그림으로 되새김질하며, 그림을 그리고 또 그려나갔다. 작은 미물에서부터 나무, 하늘까지 자연을 경외하며 겸손까지 배워나간다. 그리고 그는 볕과 바람을 쐬며 “구름은 산위에서 정신없이 아름다운 모습으로 형태를 이리저리 바꾸는 모습, 바람은 뜨거운 바람과 찬바람이 뒤섞여 온몸에 감기는 느낌…”이라고 표현하듯 자유롭게 자연을 벗 삼아 노니는 즐거움을 만끽한다. 

작가는 노는 관점에서 무엇을 득하고 깨달았을까? 문득 인식적 프레임이 생각났다. 프레임의 안(미술 조형)과 밖(삶, 우주)의 관계에서 어느 쪽에 치우쳐서 바라보는 가에 따라 인식하는 대상이 달라진다. 이 관점에서 권혁은 삶과 우주의 프레임을 통해 미술 프레임을 들여다보는 과정에 있다. 다시 말하면, 그는 자연의 삶 생태계를 들여다보고 노니는 즉, 곤충과 동물들, 나무와 꽃들, 산과 숲, 구름과 하늘 그리고 땅 등 말없는 자연들과의 냄새와 소리를 맡고 들으며 거의 몰아지경에 빠져들었던 것이다.

 

실제의 감흥은 작가만이 알겠지만, 어떻게든 그렇게 권혁이란 몸은 온통 자연에 물들은 느낌을 자아낸다. 그것을 증명한 것이 박수근을 연상시키는 나무위주의 풍경들 연작(2013. 7. 20 - 12. 30, 총 72점)이다. 목탄위주로 그린 이 풍경들은 시간과 순간의 추억들을 간직하게 한다. 있는 그대로에 충실한 이 작품들은 소박함과 겸손이 묻어나며 나날이 느낀 감정을 솔직히 드러냈다. 한 장, 한 장 나무 한 그루를 심는 마음으로 정성을 쏟아내어 그림 자체의 미감을 떠나 자연 그 자체의 마음을 전하고 싶은, 미술 프레임 밖에서 건져 올린 삶의 진정성이 일기형식으로 그려진 그림들이다.

실제의 풍경을 바라본 풍경그림과는 대조를 이룬 것이 상상력으로 재현한 하늘과 바다 풍경이다. 이 풍경들은 에너지 풍경(Energy scape)으로서 앞서 인용한 ‘모든 것은 풍경으로 통한다.’과 같이 경계 없는 풍경의 전형을 보여준다. 점 하나로 시작하여 어떤 형태를 이루고 다시 이 형태는 모였다 해체되었다한다. 작가는 이렇게 다양한 변수를 가능케 하는 여러 시점을 자유로운 상상으로 수많은 경우의 풍경을 던져놓고 한 이미지로서의 완결성을 추구하지 않는다. 다만, 이 에너지 풍경 속에서 자신의 직관으로 상징적의미로서의 무수한 점(點: 흩어져 있는 낱개의 이미지 언어로서 원형의 본질이며 생명을 의미한다.)들을 바다와 하늘같은 무한 공간으로 응시하며 오래시간의 사유체계를 거쳐 자신의 언어로 가져갔다.

 

시선의 풍경, 즉 어떤 프레임으로 인식하는 가에 따라 풍경의 모습은 주체에 따라 달라진다. 그 주체는 오래전의 기억과 더불어 삶으로부터 겪은 사건과 현상들을 목격하며 만들어지는 정체성으로서, 시간성과 장소성에 따라 언어가 변해간다. 계속 변화를 시도하는 작가는 강원도, 박수근 미술관 스튜디오와 부근에 위치한 특수지역인 한반도의 군사분계선인 DMZ의 환경을 접목하며, 그 장소의 특수성에 맞게 기존의 언어를 새로운 환기로 불어넣는 계기가 되었다.

풍경은 항상 ‘거기’서 존재하지만, 매일 조금씩 환경에 따라, 주어진 삶의 여정에 따라 달라진다. 사람도 그 풍경 속의 하나로서 함께 변해가지만, 풍경은 의연하다. 풍경들은 수많은 작가들에 의해 재현되어 다다른 풍경으로 가져갔다. 작가에게는 자연이 아름다운 풍경을 감상하는 대상을 넘어 그의 몸이 노는 관점의 태도로 더듬고, 살피고, 보듬었다. 이상적이었던 자연이 현실로 돌아와 태초의 기억의 잔영을 불러오는 대상이 되어 에너지 풍경으로 치환되었다. 결과적으로 <Nature DMZ>전시에서 그의 회화는, 자연은 눈으로 인식하는 재현의 대상에서 밀려나 깊은 열정의 샘물에서 퍼 올려 무의식이 추구하는 환영체임을 증명해야했으며, 무형의 공간에서 유형의 공간으로 이동하는 인식의 프레임을 구현하는 존재임을 부각시켰다.

이관훈(큐레이터, Project Space 사루비아다방)

 

2016

 

 

Philosophers in ancient Greece would create a platform of thought wherever they found places that people would gather together, and had fierce debates with each other. The term symposium that is currently used to refer to debates in the form of questions and answers on a specific theme while presenting respective views from different angles, has its origin from the ancient Greek term for 'convivial gathering.' The discussions would take place basically anywhere, not only at parties with guests but also at public baths. As the maxim 'Know thyself' of Socrates goes, the Greeks who had realized their own ignorance would have had the aspiration to overcome their state of ignorance. This had triggered their curiosity on human beings and the world, and on the essence of cosmos. It is amazing that despite the quantum leap in the fields of modern natural science and humanities, we still ponder on the same problems as these Greeks have. Even though we do not intend to bring the grandiose term of philosophy into the picture, any person living in the modern world would question oneself on the essence of life. Past or present, them or us, there is no difference. Painter Hyuk Kwon's art world reminds us of the ancient Greeks' attitude in that she would start from an organic reflection on the human essence, and expand her realm to the 'Cosmos.' Kwon has traced what would be left after the evaporation of all function and meaning, of all the objects and beings of the world in all different shapes and forms, when the countless organism and inorganic matter would be ripped off their form and color. Viewing her current exhibition from the perspective of 'dimension,' it starts from a dot which is the basic unit of formation, and expands itself to line, plane, and furthermore, onto an immaterial dimension which cannot exist materially, and embraces the universe. A dot is the beginning of all forms, the smallest formative element visible to the human eye. At this point, the series 'Energyscape' should be mentioned foremost since we are talking about the smallest unit comprising objects, the origin of all forms. Especially, one of the exhibits, 「Energyscape-flow 1401」 is a large-sized work; the 182 x 257 cm canvas is filled with dots that turn into geometric form. As the belief of cosmologists that the originating single point of the first condensed universe expanded at the state of high temperature and high density, and is in endless expansion since the Big Bang 15 billion years ago, dots are the symbol of the origin of everything and life for Hyuk Kwon. In this work, you would not find any intent of reproducing the object by the artist, but it is as if she creates a metaphor of the limitless cosmic expansion. All kinds of form emerge on the canvas, back to back, to be construed differently according to the viewers' experience and perception. In the series 「Energyscape-clump」 which explores deeper into the origin and essence of the universe, the images do not have specific forms that seem to reproduce a certain location or object. The geometric polyhedrons that float about on her canvas are depicting the landscape of space. As planets are afloat in the gravity-free state, these polyhedron images look like they are about to be vacuumed into the vast space. The artist has long maintained her reductionist attitude treating pure geometric figures as tools, through her numerous experiments and attempts. Especially, in 「Perception Code」, Kwon considers the circle, triangle, and square as the basic figures in geometry and as the fundamentally important concept in her work. In the same context, her series with the theme of water is also linked closely with her reductionist exploring method on the concept of origin and essence. The biggest interest of cosmologists is to find water or trace of water on an alien planet. Because the clue to the origin of life and space would be water. It is simultaneously the origin of life and the source of energy. Kwon creates water on the canvas by painting the form of dot and the materiality of water. In 「Water, Wind and...」, the ever-flowing water and the momentary energy are captured by paint. She expresses in a rather narrative way with the pencil and charcoal drawing work 「Into the Space」. Through the repetition of circular form which reminds us of water drops, Kwon's expression of water feels meditative and noble. Recently, Kwon does not limit herself to drawing or painting, but uses thread as one of the main materials to create 2-dimensional work. The thread drawing series 「Phenomenon」 portrays the critical meaning she has attached to the thread as "the symbolic chain of energy which makes visible the invisible." As if drawing with a pencil, her stitches of thread link all the dots and create a symbolic circle that forms unlimited network of relations, which is the metaphor of conception of life. Even though this work may be irrelevant to the themes of feminist artists such as Louise Bourgeois, one cannot totally exclude the characteristic femininity as archetypal symbolism that the act of sewing implies. The talented weaver in Greek mythology, Arachne, had challenged Athena with her technique and was turned into a spider after making the goddess angry. If we remember that Arachne was the only human being who could defeat god completely by herself with no other than her skill, we can understand that the choice of material for her water drawing was dynamic thread so that she could express her unique method. The thread drawing without specific form is the picturesque reproduction of her unique energy. Whether Kwon has a pencil, paint brush or thread in her hands, her study of linear shape tends to portray certain flow and connection, and continued time. The universe endowed with time and space ever since the Big Bang, is expanding while being filled with hundreds of billion stars that are linked to each other. In this macrocosm, on Earth, the advent of the human. Strictly speaking, the time when the universe began to exist for humans is not since the Big Bang, but when we started actively asking questions on the fundamental fantasy, when we began perceiving the cosmos. After the first question, the human race is still hovering around the periphery of essence, despite remarkable scientific progress. Kwon tells us that the invisible which cannot be proved immediately, cannot be denied its existence even though our world looks the same everyday. Her endless love(philo) of knowledge(sophia), her philosophy is being discussed on her canvas. ■ SHINSAIM

 

 

권혁 개인전 Cosmos

 

고대 그리스 시대의 철학자들은 사람들이 모이는 장소 어느 곳에서건 사유의 장을 열어 열띤 토론을 벌이곤 했다. 일정 문제에 대해 서로 다른 각도에서 의견을 발표하는 질의 응답 형식의 토론회를 일컫는 오늘날의 심포지엄(symposium)도 바로 이 시대의 ‘향연’에서 유래했다. 손님을 접대하는 잔치 자리는 물론이요 심지어 공중 목욕탕에서도 사유와 토론이 이어지기 일쑤였다. 너 자신을 알라는 소크라테스의 금언대로 무지 상태에 놓인 자기 자신을 알아차린 그리스인들에게 이를 벗어나고자 하는 열망은 인간과 세계, 그리고 우주의 본질에 이르기까지 호기심을 발동시켰다. 현대의 자연 과학과 인문학의 비약적 발전에도 불구하고 우리는 이들이 품었던 똑같은 문제를 여전히 고민하고 있다는 점이 놀랍다. 굳이 철학이라는 거창한 용어가 아니어도 현대인이라면 누구나 인생을 살면서 본질에 대한 질문을 던진다. 예나 지금이나, 그들이나 우리나, 다를 바 없이.

화가 권혁의 작업은 인간의 본질에 대한 유기적인 성찰에서 출발하여 그 범위를 ‘우주(Cosmos)’로 확장시키고 있다는 점에서 고대 그리스인들의 자세를 상기시킨다. 제각각 변화무쌍하게 다른 양태를 하고 있는 세상의 만물 그 셀 수 없이 많은 유기체와 무기체들의 형태와 색채라는 껍데기를 벗겨내어 기능과 의미마저 증발시켜버린 후에 남게 될 그 무엇을, 권혁은 추적해왔다. 이번 전시에서 선보이는 그의 작품을 ‘차원’이라는 관점에서 바라본다면, 조형의 기본 단위인 점에서 시작하여 선으로, 평면으로, 더 나아가서는 물리적으로 존재할 수 없는 비물질적인 차원으로 확장되어 우주를 아우른다.   

점은 모든 형태의 시작이며 사람이 눈으로 인지할 수 있는 가장 최소한의 조형 요소이다. 사물을 구성하고 있는 가장 작은 단위이며 모든 형태의 시발점이라는 점에서 ‘에너지스케이프’ 연작을 제일 먼저 언급하지 않을 수 없다. 특히 이번에 전시되는 <에너지스케이프-플로우1401 (Energyscape-flow 1401)>은 작가 권혁이 기하학적인 형태에 집중하며 온전히 점으로만 200호에 이르는 화폭을 가득 메운 대작이다. 초소형, 초고온, 초고밀도의 점으로 응축되어 있던 최초의 우주가 150억년 전 대폭발 이후 끊임없이 확장되고 있다는 우주학자들의 믿음대로, 그에게 점은 모든 것의 시초이자 생명의 상징이다. 이 작품에서 대상을 재현하려는 작가의 의도를 전혀 찾아볼 수 없지만, 마치 우주의 무한한 팽창을 은유하기라도 하듯 보는 이의 원체험과 인지 방식에 따라 무궁무진하게 다른 형태(gestalt)가 꼬리에 꼬리를 물고 화면 위로 떠오른다.

우주의 근원과 본질로 한층 더 깊이 파고 들어간 <에너지스케이프-클럼프(Energyscape-clump)> 연작에서도 그가 작품 속에서 구현하는 이미지들은 어떤 장소를 배경으로 하거나 특정한 사물을 재현한 것 같은 구체적인 형상을 띠고 있지 않다. 그의 캔버스 안에서 떠도는 기하학적인 다면체들은 우주의 풍경을 연출하고 있다. 행성들이 무중력 상태에 떠있듯 이 다면체의 형상들은 마치 우주의 광활함 속으로 빨려 들어가는 듯하다. 작가는 오랜 실험과 시도를 통해 순수한 기하학적 도형을 도구 삼아 환원주의적 태도를 견지해왔다. 특히 <퍼셉션 코드(Perception Code)>에서 작가는 원과 삼각형, 사각형 등 세 도형을 모든 도형의 기본이자 출발점으로서 수렴하여 작품의 중요한 기초 개념으로 삼고 있다. 

이와 같은 맥락에서 물을 테마로 한 그의 연작 또한 근원과 본질에 천착한 권혁의 환원주의적인 탐구 방식이 밀접하게 연결되어 있다. 우주 탐험 과학자들의 가장 큰 관심사는 물이나 적어도 물이 존재했던 흔적을 외계 행성에서 찾는 일이다. 생명과 우주의 기원을 밝혀줄 단서가 바로 물이기 때문이다. 물은 생명의 근원인 동시에 에너지의 원천이다. 작가는 점의 형태와 물의 물성을 표현한 페인팅 작업을 통해 캔버스 위에 물을 창조해낸다. 그는 <워터, 윈드 그리고…(Water, Wind and...)>에서 머물러있거나 특정한 형태를 지닌 물질이 아닌 끊임없이 움직이는 물과 그 찰나의 에너지를 물감이라는 재료로 포착한다. 이 같은 작업 방식은 연필과 목탄 드로잉 작품인 <인투 더 스페이스(Into the Space)>에서는 서사적으로 구현된다. 물방울을 연상시키는 원형적 형태의 반복을 통해 표현된 권혁의 물은 명상적이며 숭고하게 느껴진다. 

최근 들어 권혁은 드로잉과 페인팅에 머무르지 않고 실을 주재료로 평면 작업도 함께 전개하고 있다. 실 드로잉 연작 <페노미넌(Phenomenon)>에서 작가는 “보이지 않는 것을 보이게 하는 에너지의 상징적인 연결고리”로서 실에 중요한 의미를 부여한다. 마치 연필로 드로잉하듯 실로 땀땀이 그려낸 스티치들은 점의 연결이자 원의 상징으로 무한한 관계망을 형성하며 생명의 잉태를 은유한다. 물론 이 작품이 루이스 부르주아(Louise Bourgeois)와 같은 페미니스트 화가들의 주제와는 무관하더라도 바느질이 가지고 있는 특유의 여성성이라는 원형적 상징을 완전히 배제할 수는 없다. 그리스 신화에서는 베짜기 명인인 아라크네가 자신의 기술로 아테네에게 대적했다가 노여움을 사 거미가 되고 마는 이야기가 있다. 다른 도움 없이 순수하게 자신의 기술만으로 신을 이긴 유일한 인간이 아라크네임을 상기한다면, 작가 권혁에게 실은 물 드로잉을 ‘그녀’만의 방식으로 보여줄 수 있는 역동적인 재료의 선택이었다고 볼 수 있다. 실 드로잉 작업은 특정 형태가 없이도 그녀만의 에너지가 회화적으로 재현되는 것이다.

권혁의 손에 쥐어진 것이 연필이건 물감이건 실이건 그의 선형(線形)에 대한 탐구는 어떤 흐름과 연결, 나아가 연속된 시간들을 나타내곤 한다. 빅뱅 이후에 시간과 공간이 생긴 우주는 이로 인해 수천억 개의 별을 담고 서로 연결되어 확장된다. 이런 대우주 안에 지구에서는 인간이라는 존재가 등장하게 된다. 엄밀히 인간에게 우주가 존재하기 시작한 것은 빅뱅 이후가 아닌, 인간이 근원적인 공상에 대한 질문을 적극적으로 던지면서부터이고 우주를 인식하기 시작하면서부터인 셈이다. 그 최초의 질문 후에 인류는 눈부신 과학적 발전을 이룩하였음에도 불구하고, 아직도 본질의 언저리를 서성이고 있다. 매일 같은 모습으로 찾아오기에 새삼 다를 것 없어 보이는 우리의 세계와 오늘에 대해 우리의 눈에 보이지 않다고, 당장 증명할 수 없다고, 존재하지 않는 것이 아니라고 말하는 화가 권혁은 ‘지(sophia)에 대한 끊임없는 사랑(philo-)’인 필로소피(philosophy)를 화폭에서 논하고 있다.