Energy Flow of Light and Wind Captured in Landscape


Until 2008, Hyuk Kwon had searched for the proper language of nature through her own choices and experiments(project, drawing, video, performance, stitch, painting, etc. which began from the inner self, and verified the location of each barrier). Such experience led her to ultimately find the language outside the frame of art. Her basic concept of creation is Energy(氣 Qi: air, breath) of which the starting point could be the cosmos, on a big scale, or a single dot, on a small scale. What she has realized through numerous years of self-verification was that all matters are linked as an organism without borders. Such awareness also finds its root in the same context as the circulating logic of birth and death within nature.


Kwon had constantly raised the issue of water, the origin of all matters, and during her process of drawing, observation and contemplation, she entered the Park Soo Keun Museum’s residency program in July 2013. For the artist, this occasion quenched her on-going thirst for the desire to become one with Mother Nature, and so for 6 months, she went on drawing as if keeping a diary.


Kwon took daily walks in the nature, seeing, hearing and feeling, while breathing to gradually unify nature and the inner world. Becoming one with nature, such is the dream of every urban life and Kwon managed to realize the dream. She is now creating by answering her long-dreamtfundamental question on Energy, by dealing with the most primitive sensibility. 


The expression of such commencement was ‘Water(Life)’ and the artist has drawn all kinds of different shapes, from water to flower, tree, forest, birds, mountain, clouds, and the sky. Such various shapes would be interpreted differently by others but for the artist, they were all one single energy landscape. Hence, trees, forest, sky, water, land, cloud and sea are all transformed into invisible air in the artist’s perception or conception and she draws such a phenomenon. 


The remarkable observation about the artist is that with her various studies and experience for such a long time, her reflection on the inner self encounters the outer world and restarts with the fundamental doubt about the very simple and basic act of ‘drawing’. She had written down quotes in her diary such as, “Everything tends towards landscape.” by Philipp Otto Runge(1777-1810), the German Romantic painter and “I would no longer paint from nature.” and “Since I was part of nature – since I was nature itself”, a quote from the autobiography of Man Ray(1890-1976), the American Surrealist painter and photographer. Kwon had incarnated the meaning of such quotes in her proper language in nature. Any text with wonderful meaning matters only if the timing of a swift moment is just perfect. For Kwon, it was the phenomenon of introducing language at the most desired moment.  


At this moment, it is impossible to draw ‘nature and drawing’, draw nature as drawing, draw drawing as nature, from an ostensible viewpoint. However, instead of viewing it as a landscape drawing by the logic of representation, reflecting mutual relations, what if we understand it as emotional expression in instinctive/sensitive language which rooted from the ego of the artist as an individual? Who would be able to deny this, after all? Rather than valuing the landscapes drawn at such and such location and the issues of their expressions, I suggest observing the artist’s attitude toward nature, one by one.  


Modern society has experienced the sharp division of city and nature. Nature has been pushed away to the selfless world, due to the convenience of urban desire, and modern man has eliminated nature according to his living pattern formed mainly by convenience standards. He has adopted a sort of closed circuit out of momentary desire and is slowly falling sick due to this self-made model of suffocating vacuum society. Modern man goes around pursuing the slogan of being in harmony with nature but does not possess a body or thought as pure as nature. Contrary to the urban environment, nature changes every day, every hour, or every moment that flows. Compared to her life-long itinerary, Kwon has quickly sensed the ordinary routine of unlimited and unpredictable nature, despite such a short time. However, she endeavors to observe the nature with the attitude of slow sensibility and to sense it from an autonomous perspective.


That is why she ruminates nature through drawing and went on with it. From small living beings to trees and the sky, the artist was in awe of nature and even gradually learned about modesty. While she exposed herself to the sun and the wind, she would express her observation as the following: “clouds vigorously transform themselves into beautiful shapes above mountain tops, the wind mixed with cold and hot air, surrounds my body...” and thus, she fully enjoys such liberal and playful encounter with nature. 


What would have the artist realized from such playful viewpoint? All of a sudden, the perceptive frame came to my mind. Depending on which side you are observing, from the inside of the frame(plastic art) or the outside(life, space), the perceived object differs. From this perspective, Hyuk Kwon is in the process of viewing the art frame through the frame of life and space. That is, she has succeeded in observing the ecosystem, the life of nature and in amusing herself with insects and animals, trees and flowers, mountain and forest, clouds and the sky and the earth. She has almost gone into a sort of trance while smelling and listening to these voiceless beings of nature. 


Only the artist must know how the actual inspiration feels like but her body does indeed emit the sense of being dyed altogether in nature. Such sense is proved by the landscape series of mainly trees(20 July – 30 December 2013, total 72 pieces), which remind us of the works of Park Soo Keun. These landscapes drawn mainly with charcoal make us cherish time and memories of moments. These works are true to life, simple and modest, and reveal daily emotions with frankness. As if planting a tree on every page, these earnest works of drawing convey the mind of nature itself rather than the aesthetic feel of the drawing. The sincerity of life plucked from the outside of the art frame were drawn in the form of a diary. 


Contrary to the actual landscape drawings, there are sky and sea landscapes reproduced by the artist’s imagination. These are namely the Energyscapes which portray the model of landscape without borders, as in the aforementioned quote, “Everything tends towards landscape.” From a single dot, a certain shape is formed and then this shape is scattered and gathered, again and again. Kwon proposes numerous possibilities of landscapes through liberal imagination and various perspectives and she does not pursue completeness as a single image. Moreover, in her Energyscapes, she interprets the countless dots(scattered units of image language which stand for the nature of origin and life) with symbolic meaning into unlimited space like the sea and the sky, intuitively. Hence, the artist had succeeded in expressing in her own language after a long time of contemplation and after finally establishing such a system. 


Landscapes can appear differently according to the beholder, whether he/she perceives landscapes from a certain viewpoint or frame. The beholder has a certain identity formed by memories of long time ago as well as witnessing of events and phenomena that arose in life. This identity changes its language according to time and space. The artist who endlessly attempts to change, has applied the specific location of Park Soo Keun Museum studio in Kangwon Province, which is close to the special area of DMZ, the Military Demarcation Line of the Korean Peninsula. Kwon had used this fact as the occasion to enliven the previous language, adapting it to the specificity of the location.   


Landscape always exists ‘somewhere’ but depending on the environment, it changes daily little by little, according to the given itinerary of life. As part of the landscape, man changes along with it but the landscape rests serene. Landscapes have been reproduced into all kinds of different sceneries by countless artists. For Kwon, nature is beyond beautiful scenery to look at and her body had caressed, cared for and embraced nature, in a playful attitude. Ideal nature had returned to reality to remind her of the traces of memories of the beginning and had been replaced to Energyscapes. As a result, in the exhibition titled <Nature DMZ>, her drawings had to prove that nature is the illusionary body which the unconscious mind digs up from the spring water of passion and pursues. It is no longer the object of reproduction, perceived by the eye. Kwon had also brought to light that nature realizes the frame of perception which moves from intangible space to tangible space. 


Kwan-Hoon Lee(Curator, Project Space SARUBIA) 


박수근 미술관 / 1.09~1.30.2014



자연의 근원인 동시에 만물의 근원을 상징적 물 드로잉과 실 스티치를 겸한 페인팅, 설치작업등으로 표현해 왔다. 오랫동안 물을 그리고, 관찰하면서, 자연에 대하여 관심이 더욱 생기며, 자연을 보다 가까이에서 접하며, 그리고 싶다는 갈증을 느꼈다. 지난 여름, 최고로 더운 서울 날씨를 뒤로하고, 한반도 중심이며, 국토의 정중앙에 있는 강원도 양구에 왔다. 정전 60주년인 2013년, 현재 세계에서 유일하게 있는 DMZ 근방이다. 이곳은 지리적으로 군인과 군부대가 중심을 이루고 있는 특수 지역으로, 우리나라가 휴전에 있다는 것을 실감하게 된다. 현재 지금 이곳, DMZ이라는 장소, 그리고 한반도, 지구... 등의 확장된 개념으로 작업의 시작점으로 돌아가 새로이 작업을 풀어나간다.



오랜 동안 물을 그리며, 막연히 생각했던 물이라는 존재에 대하여 실제의 물의 느낌은 너무나 달랐다. 결국, 내가 보고, 그리고, 느끼고, 체험했던 것은 물이 아니였다. 순간을 포착하여 그린 물은 물의 형태였지만, 산의 형상이었고, 그것은 이 지구를 가득히 채운 물질, 혹은 물체, 바로 에너지(기; 氣) 였다. 기가 모이면 형체를 가진 물체가 되고, 기가 흩어지면 형태가 없는... 한 점으로 시작된 작업은 드로잉, 회화를 겸한 설치까지 이어지며, 생명의 근원인 점은 하나에서 출발하여 여러 개의 연결된 점들로, 가득차 있으나 텅빈...이러한 생각을 작업으로 이끌어 보았다. 우리가 사는 세상에서 보이지 않는 어떤 거대한 현상과 자연 이라는 존재앞에 인간의 수명은 지구, 태양의 수명이 대략 100억년이라는 관점에서 볼 때, 하루살이같은 생명체가 아닌가. 우리가 살고 있는 지구라는 이 공간은 유형과 무형의 어떤 것들로.. 꽉 채워진것이 아닌가.. 그것들의 움직임 또는 현상을 인간중심으로만 생각하는 우리가 느끼지 못할 뿐... 인간을 비롯한 자연은 동물, 나무, 새 ..등은 한 점이며, 하나의 존재이며, 크게는 우주인 것이다. 순간이 영원이며, 영원이 한 순간이듯이 말이다.



인간과 자연의 첫 관계는 이름 짓고 부르는 것에서부터 시작 되었다고 한다. 자연을 우주를 보듬는 어머니의 품이라 생각했던 독일의 낭만주의 화가 필리프 오토 룽게는 1802년 이렇게 선언한다. “모든 것은 풍경화로 통한다.” 라고… 정말 지금 이 순간 그리고 있는 이 나무, 자연은… 아마도 예전의 박수근 화백이 생존해 있을 때의 나무도 있고, 아닌 것도 있을 것이다… 그러나, 인간의 존재처럼, 나무도 살아 있는 생명체라 생각하면, 그것의 침묵과 인내에 경의를 표하게 된다.

2012년부터 시작되었던 작업은 자연스럽게 이곳에 와서 에너지 풍경-DMZ 으로, 이곳의 특별한 지역의 이미지를 파란 하늘을 중심으로 캔버스에 실 스티치로 원을 만들면서 DMZ풍경을 그려나간다. 산과 분단된 현실, 그렇지만, 언젠가는, 아니 곧.. 남과 북, 우리는 하나가 될 것이라는 굳은 믿음을 가지고 말이다.



“더 이상 사생화는 그리고 싶지 않았다… 생략 …그림을 그리기 위해 대상 앞에 앉는 것은 진정 창조적인 그림에는 방해가 될 것이다. 중략.. 나는 자연에서 무언가 영감을 찾는 일은 그만 두었을 뿐 아니라, 점점 더 인공적인 대상으로 내 관심의 방향을 옮겨 갔다. 내가 자연의 일부이고, 내가 자연 그 자체이다. 따라서 내가 어떤 제재를 택하든 간에, 내가 어떤 환상이나 모순을 제가 하든 간에, 그것들은 무한하고 예측하기 힘든 자연의 표상들 속에서 자연처럼 기능할 수 있을 것이다. …” -만 레이-



현재 내가 하는 작업과 정반대의 의견이다. 지금까지 대부분, 상상의 것을 재현해 왔다. 그리고, 자연으로 돌아왔다. 자연 앞에 맞닥뜨리고 그리고 싶다. 너무나 오래 잊었던 자연이다. 자연... 그 아름다움에 행복을 금할 수 없는데 말이다.

아이러니 하게도, 만 레이가 말한 것을 지금 두 가지 모두를 하고 있다. 자연 앞에서 자연을 그대로 그리는 일과 상상속의 자연을 재현하는 일을 말이다.


보는 시선에 따라 달라지는 볕景과 바람風


권혁은 2008년까지 자기 본성의 고유 언어를 찾기 위한 스스로의 선택과 실험(내면의 자아로부터 시작한 프로젝트, 드로잉, 영상, 퍼포먼스, 스티치, 회화 등의 작업으로 경계의 위치 확인)을 통해 경험을 얻고, 궁극적으로 미술 프레임의 밖에서 언어를 찾는다. 크게는 우주, 작게는 점에서 시작하는 기본적인 작업개념은 에너지(氣 : 공기, 숨)이다. 그가 수년간 자기검증을 통해 깨달은 것은 모든 만물이 경계 지워지지 않고 유기체로서 연결 지어진다는 자연의 생성과 소멸의 순환적인 이치와 같은 맥락에서 비롯된다. 

그는 만물의 근원인 물에 대한 화두를 끊임없이 가져오며, 이를 실천하기 위해 그림을 그리고 관찰하며 사유의 체계로 접근하는 과정에서 2013년 7월에 박수근 미술관의 레지던스로 들어가게 되었다. 작가에게는 평소 자연과의 일체감을 느끼고 싶은 절실함을 해소하는 계기가 되었고, 그렇게 6개월 동안 일기처럼 그림을 그려나갔다.

작가는 자연 속에서 매일 산책하며 보고, 듣고, 느끼며 점점 자연과 내면의 세계가 하나가 되는 호흡을 한다. 자연과의 일체감, 도시 생활하는 사람이면 누구나 꿈꾸는 삶을 몸으로 실천하며, 그토록 꿈꿔 왔던 氣의 근원적 물음에 답하는, 가장 원초적인 감성을 건드리는 작업을 행하고 있다.

그 시작의 표현은 ‘물(생명)’이었으며, 여기서는 물에서 꽃으로, 나무로, 숲으로, 새들로, 산으로, 구름으로, 하늘로 옮겨가며 다 다른 형상을 그려왔다. 하지만 그 형상들은 타인들에게 다르게 읽혀지겠지만, 작가에게는 하나의 에너지 풍경으로서 다가갔다. 그러니까 나무 숲, 하늘, 물, 땅, 구름, 바다가 작가의 인식이나 관념 속에서는 보여 지지 않는 공기로 치환되는 현상을 그려내고 있는 것이다. 


흥미로운 현상은 불혹 끝자락에 접어든 나이에 자신의 내면의 성찰을 바깥세상과 교우하며, 매우 간단하고 기본적인 ‘그린다’라는 것에 원론적인 의문을 품고 다시 출발한다는 것이다. 그의 일기에 작성된 “모든 것은 풍경화로 통한다.”라고 독일의 낭만주의 화가 필립 오토 룽게(Philipp Otto Runge : 1777-1810)가 던진 의미도, 미국의 초현실주의 사진작가 만 레이(Man Ray : 1890-1976)의 자서전에서 ‘더 이상 사생화는 그리고 싶지 않았다.’며 “내가 자연의 일부이고, 내가 자연 그 자체이다.”라고 쓴 의미도 그에게는 자연 속에서 자신만의 언어로 육화된다. 아무리 좋은 의미의 텍스트라도 찰나의 타이밍이 중요하듯 절실했던 순간에 언어가 이입(移入)되는 현상이다. 

그 순간에 ‘자연과 그림’을, 자연을 그림처럼, 그림을 자연처럼 그린다는 것이 표면상으로는 불가능하다. 하지만 서로의 관계를 그대로 재현의 논리로서만 대입시켜 사실화처럼 판단하기보다는 작가 개인의 자아에서 출발한 본능적/감성적 언어로부터 감정적 표현을 한다면 어느 누가 부정하겠는가? 이곳에서 그린 풍경화와 그림 표현의 논제를 놓고 판단하기보다는 그의 자연에 대한 태도에서, 찬찬히 인식해보자는 것이다. 

현대사회는 도시와 자연이 분리되어 있다. 도시 욕망의 이기로부터 자연은 이타적세계로 밀려나며, 현대인들은 편리위주의 패턴대로 자연을 제거하고 삶을 영위한다. 순간의 욕망으로부터 취한 폐쇄회로처럼 답답한 진공 사회의 전형을 만들어놓고 병들어간다. 현대인은 자연 친화를 외치며 가고오지만 자연의 순연성(純然性)만큼 몸이나 생각을 갖고 있지는 못하다. 도시환경과는 달리 자연은 매일, 매시간 아니 순간이 지속될 때마다 변한다. 그 무한하고 예측 불가능한 자연의 일상을 잠시지만 작가는 살아온 인생의 여정 이상으로 체감을 빠르게 느낀다. 하지만 자연을 느린 감성의 태도로 들여다보며 주체적 관점에서 느끼려고 애쓴다. 

그래서 그는 자연을 그림으로 되새김질하며, 그림을 그리고 또 그려나갔다. 작은 미물에서부터 나무, 하늘까지 자연을 경외하며 겸손까지 배워나간다. 그리고 그는 볕과 바람을 쐬며 “구름은 산위에서 정신없이 아름다운 모습으로 형태를 이리저리 바꾸는 모습, 바람은 뜨거운 바람과 찬바람이 뒤섞여 온몸에 감기는 느낌…”이라고 표현하듯 자유롭게 자연을 벗 삼아 노니는 즐거움을 만끽한다. 

작가는 노는 관점에서 무엇을 득하고 깨달았을까? 문득 인식적 프레임이 생각났다. 프레임의 안(미술 조형)과 밖(삶, 우주)의 관계에서 어느 쪽에 치우쳐서 바라보는 가에 따라 인식하는 대상이 달라진다. 이 관점에서 권혁은 삶과 우주의 프레임을 통해 미술 프레임을 들여다보는 과정에 있다. 다시 말하면, 그는 자연의 삶 생태계를 들여다보고 노니는 즉, 곤충과 동물들, 나무와 꽃들, 산과 숲, 구름과 하늘 그리고 땅 등 말없는 자연들과의 냄새와 소리를 맡고 들으며 거의 몰아지경에 빠져들었던 것이다.


실제의 감흥은 작가만이 알겠지만, 어떻게든 그렇게 권혁이란 몸은 온통 자연에 물들은 느낌을 자아낸다. 그것을 증명한 것이 박수근을 연상시키는 나무위주의 풍경들 연작(2013. 7. 20 - 12. 30, 총 72점)이다. 목탄위주로 그린 이 풍경들은 시간과 순간의 추억들을 간직하게 한다. 있는 그대로에 충실한 이 작품들은 소박함과 겸손이 묻어나며 나날이 느낀 감정을 솔직히 드러냈다. 한 장, 한 장 나무 한 그루를 심는 마음으로 정성을 쏟아내어 그림 자체의 미감을 떠나 자연 그 자체의 마음을 전하고 싶은, 미술 프레임 밖에서 건져 올린 삶의 진정성이 일기형식으로 그려진 그림들이다.

실제의 풍경을 바라본 풍경그림과는 대조를 이룬 것이 상상력으로 재현한 하늘과 바다 풍경이다. 이 풍경들은 에너지 풍경(Energy scape)으로서 앞서 인용한 ‘모든 것은 풍경으로 통한다.’과 같이 경계 없는 풍경의 전형을 보여준다. 점 하나로 시작하여 어떤 형태를 이루고 다시 이 형태는 모였다 해체되었다한다. 작가는 이렇게 다양한 변수를 가능케 하는 여러 시점을 자유로운 상상으로 수많은 경우의 풍경을 던져놓고 한 이미지로서의 완결성을 추구하지 않는다. 다만, 이 에너지 풍경 속에서 자신의 직관으로 상징적의미로서의 무수한 점(點: 흩어져 있는 낱개의 이미지 언어로서 원형의 본질이며 생명을 의미한다.)들을 바다와 하늘같은 무한 공간으로 응시하며 오래시간의 사유체계를 거쳐 자신의 언어로 가져갔다.


시선의 풍경, 즉 어떤 프레임으로 인식하는 가에 따라 풍경의 모습은 주체에 따라 달라진다. 그 주체는 오래전의 기억과 더불어 삶으로부터 겪은 사건과 현상들을 목격하며 만들어지는 정체성으로서, 시간성과 장소성에 따라 언어가 변해간다. 계속 변화를 시도하는 작가는 강원도, 박수근 미술관 스튜디오와 부근에 위치한 특수지역인 한반도의 군사분계선인 DMZ의 환경을 접목하며, 그 장소의 특수성에 맞게 기존의 언어를 새로운 환기로 불어넣는 계기가 되었다.

풍경은 항상 ‘거기’서 존재하지만, 매일 조금씩 환경에 따라, 주어진 삶의 여정에 따라 달라진다. 사람도 그 풍경 속의 하나로서 함께 변해가지만, 풍경은 의연하다. 풍경들은 수많은 작가들에 의해 재현되어 다다른 풍경으로 가져갔다. 작가에게는 자연이 아름다운 풍경을 감상하는 대상을 넘어 그의 몸이 노는 관점의 태도로 더듬고, 살피고, 보듬었다. 이상적이었던 자연이 현실로 돌아와 태초의 기억의 잔영을 불러오는 대상이 되어 에너지 풍경으로 치환되었다. 결과적으로 <Nature DMZ>전시에서 그의 회화는, 자연은 눈으로 인식하는 재현의 대상에서 밀려나 깊은 열정의 샘물에서 퍼 올려 무의식이 추구하는 환영체임을 증명해야했으며, 무형의 공간에서 유형의 공간으로 이동하는 인식의 프레임을 구현하는 존재임을 부각시켰다.

이관훈(큐레이터, Project Space 사루비아다방)